Para los griegos, la música era el arte (téchne) de las musas (mousike). Un arte capaz de motivar al auditorio -y al propio músico- a través de la organización sensible y lógica de sonidos y silencios bajo los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo.
Introducción
La intención de este breve ensayo es hacer un repaso a la historia de la música (y de la humanidad) centrándonos en cómo esta forma de arte ha influenciado en su entorno y, naturalmente, cómo el medio sociocultural ha influenciado en la música. Echaremos una ojeada a las músicas tribales más antiguas; a las composiciones en las primeras civilizaciones; a la música sacra de la Edad Media; el Renacimiento y la aparición de nuevos instrumentos; a la época clásica de la Edad Moderna, su evolución y perfeccionamiento en la Edad Contemporánea hasta llegar al siglo XXI.
¿Qué es música?
Desde un punto de vista antropológico, el fenómeno artístico en general pertenece al aspecto superestructural de una comunidad de individuos. Es decir, es un elemento asociado a la conducta, el pensamiento, las emociones e incluso la espiritualidad de las personas. Además, la creación musical no se da en función de una necesidad básica como puede ser la de alimentarse o procrear, sino desde un plano más sutil y creativo.
También desde la antropología (Alexander Alland, 1977), el arte es definido como un juego a partir de una forma lograda a través de una transformación-representación estética. En el caso de la música, la forma sería la pieza musical que logra ser captada por los demás individuos gracias a la estética, una capacidad humana universal que da respuesta emocional a una interpretación artística.
Algunas funciones sociales de la música, el canto y la danza
Ya desde antiguo se viene teorizando sobre la naturaleza y función de la música. Para los griegos, la música era el arte (téchne) de las musas (mousike) e incluía la música, el canto y la danza. Un arte capaz de motivar al auditorio -y al propio músico- a través de la organización sensible y lógica de sonidos y silencios bajo los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo.
La naturaleza supuso la principal fuente de inspiración para el humano primitivo: la música como una imitatio natura.
La música es un activo vital, un producto cultural con un fin concreto: generar una experiencia emocional o sensible en el oyente. Por lo tanto, además de experiencia, esta forma de arte es una vía de comunicación capaz de expresar y provocar sentimientos o ideas que necesita de un auditorio para establecerse.
Así, las habilidades de un músico tienen el principal objetivo de conectar con la percepción sensorial de los oyentes. Si esta percepción o reconocimiento no existiera, la música quedaría sólo para el creador de las piezas musicales que, difícilmente, podría discernir su calidad o capacidad para provocar emociones o suscitar ideas.
Es posible afirmar que desde la antigüedad, el artista ha sobrevivido gracias al auditorio en una relación recíproca y enriquecedora para ambos. Por esa razón, la música siempre ha estado íntimamente ligada a la sociedad en la que “vive”, siendo difícil -en principio- para un habitante europeo de la edad de piedra comprender una pieza de Mozart o Vivaldi. Decimos en principio, porque también existe el modelo educativo dentro de arte y cualquier persona plena de facultades tiene la posibilidad de llegar a apreciar y disfrutar de un determinado estilo de música.
Música en la prehistoria
La naturaleza supuso la principal fuente de inspiración para el humano primitivo: la música como una imitatio natura.
Las primeras producciones musicales del hombre formaban parte de los rituales donde el movimiento, el sonido y el fuego simbolizaban la vida, mientras que el silencio, la quietud y la oscuridad eran ejemplos de la muerte. Estos rituales podían consistir en una danza hasta la extenuación alrededor del fuego interpretando a los seres del mundo animal en ritos de caza o guerra, o en una exteriorización de los sentimientos emulando a estos animales para bendecir o maldecir sus espíritus.
En cuanto a los instrumentos utilizados, la elaboración musical contaba con rudimentarios objetos con los que enriquecer los rituales musicales. Estos elementos solían ser de percusión tales como huesos, conchas, troncos y cañas de madera, conocidos como instrumentos autófonos. Aunque el hombre primitivo, de forma paulatina, también desarrolló instrumentos más complejos como la flauta (instrumento aerófobo), creada con un hueso y agujeros, o tambores hechos con membranas tirantes (instrumentos membranófonos).
En relación al aspecto creativo, la producción y organización de sonidos por parte del hombre prehistórico obedecían más a la exteriorización emocional y el rito, sin que hubiera una excesiva preocupación por la cuestión rítmica, melódica o armónica de la música. Para los humanos prehistóricos el sonido y la música creada con sus rudimentarios instrumentos acompañaba y proveía de fuerza al ritual. No se buscaba convertirlos en elementos pedagógicos dentro de la tribu o el clan; aunque unos sonidos u otros sí que podían identificarse con un rito u otro y provocar diversas emociones.
Con el paso de los milenios, el hombre primitivo fue evolucionando en muchos aspectos, sobre todo en el tecnológico. A su vez, las representaciones rituales y los sonidos que las acompañaban tendieron a hacerse más complejos y la creación de nuevos instrumentos musicales -como el arpa en los siglos de la emergencia de las primeras grandes civilizaciones (3000. a .C.)- convirtieron a la música en algo más que un símbolo del ritual: en una forma de ocio.
Música en la Edad Antigua: Mesopotamia
Pasada la prehistoria y la protohistoria de las primeras pequeñas ciudades en Mesopotamia, llegamos al inicio de la Edad Antigua y de la historia de la humanidad. La cultura mesopotámica (sumerios, acadios, asirios, babilonios …) da inicio a una historia de la música fundamentada en una serie de reglas de composición e instrumentos tecnológicamente similares a los actuales.
En las ciudades de Ur y Kisch, según los hallazgos arqueológicos, se conoce la existencia de instrumentos musicales tales como la lira, la flauta, las panderetas, los tambores, los cascabeles y el arpa (el más apreciado de la época). A estos hallazgos, se unen pinturas de esta misma época donde se dan escenas de personas tocando música. Es en Mesopotamia dónde comienza una verdadera historia de la música y un desarrollo lógico de ésta.
Los sumerios, la primera gran civilización organizada en la zona de los ríos Tigris y Eufrates, desarrollaron los primeros himnos de carácter ritual que representaban en sus celebraciones religiosas. Estas primeras piezas musicales se consolidaron en la cultura sumeria y fueron heredadas por las siguientes culturas emergentes: acadios, asirios, amorreos y babilonios. De todas estas civilizaciones antiguas, tal vez los babilonios lograron el mayor desarrollo estético, aportando y enriqueciendo lo ya desarrollado por los pueblos anteriores.
Avanzando en el tiempo, ya en el milenio II a.C., fueron los asirios quienes adaptaron las composiciones musicales del ritual a lo palaciego, dando una nueva dimensión pagana a la música. Así, ésta pasó a convertirse en un elemento festivo y de ocio y no sólo algo relativo al ritual funerario y religioso.
Esta nueva utilización de la música provocaría un aumento de la creatividad y de los aportes musicales y colocaría la composición artística en manos de lo popular.
Música en la Edad Antigua: Grecia clásica
Durante el milenio I, la música y los instrumentos musicales se habían extendido por todos los lugares habitados. Aun así, y aunque la música había dejado de ser un mero instrumento de lo ritual para convertirse en algo popular y profano, no se encuentra todavía ningún rastro de una teoría sobre la función de la música en el alma humana. Está claro que sus efectos siempre han existido, pero no es hasta la impronta de los filósofos griegos -sobre todo Pitágoras y Aristóteles-, cuando se realiza un estudio teórico sobre qué es la música y sus efectos en el ser humano.
Antes de Aristóteles, los primeros estudios filosóficos sobre la música que se conocen corresponden al filósofo de Samos, Pitágoras, que pasó gran parte de su vida intentando explicar las distintas notas musicales a través de los números. Para el griego, todo tenía su fundamento en los números (eran el arje, la esencia primera de cualquier cosa) y en la armonía. Para él, los siete planetas conocidos (Mercurio, Venus, La Tierra, Marte, Júpiter, Saturno y el Sol), en su movimiento orbital, emitían notas musicales que calificó de armonía de las esferas; armonías que el ser humano no podía escuchar por estar acostumbrado a ellas desde su nacimiento.
Así, el orden más supremo del Cosmos estaba basado en la armonía, y el número era su lenguaje universal. Esta concepción también se aplicaba a los hombres. En relación a la armonía, Pitágoras creía que tenía una aplicación curativa y medicinal sobre el alma humana. Así, la música se convertía en la herramienta principal para encontrar la armonía espiritual. No es de extrañar que en la escuela pitagórica la enseñanza de la música tuviera una gran importancia.
Un siglo después fue Platón, en diálogo Ión, quien teorizó sobre la lírica de su tiempo. Platón, con la voz de Sócrates, explica a su interlocutor Ión cuál es el origen de la inspiración y composición líricas de los poetas:
Con esto, me parece a mí, que la divinidad nos muestra claramente, para que no vacilemos más, que todos estos hermosos poemas no son de factura humana ni hechos por los hombres, sino divinos y creados por los dioses, y que los poetas no son otra cosa que intérpretes de los dioses, poseídos cada uno por aquél que los domine. Para mostrar esto, el dios, a propósito, cantó, sirviéndose de un poeta insignificante, el más hermoso poema lírico ¿No te parece, Ion, que estoy en lo cierto? (2)
Esta reflexión, en el mismo diálogo, viene precedida de otra explicación que niega que los poetas y artistas en general produzcan sus obras en base a unas técnicas o metodología de trabajo, sino que:
[…] los poetas líricos hacen sus bellas composiciones no cuando está serenos, sino cuando penetran en las regiones de la armonía y el ritmo poseídos por Baco.
En cualquier caso, aunque se echa de menos una reflexión más filosófica del gran filósofo griego, cabe destacar la importancia del arte en el alma humana, algo sobre lo que teorizará de forma más concreta y si se quiere, más científica, el discípulo de Platón, Aristóteles.
En Ética a Nicómaco, Aristóteles, afirma en el Capítulo III (Del arte) del Libro Sexto, que cualquier producción artística viene auxiliada por una verdadera razón:
El arte es, por consiguiente, cierta facultad de producir dirigida por la razón verdadera. (3)
Pero es en su Política, en el capítulo V, del Libro V, donde el filósofo griego elabora su estudio teórico sobre la música preguntándose (y preguntándonos) si la música debe estar incluida en la educación o, por inservible a ésta, debe ser excluida. También, y siguiendo la tradición de los filósofos anteriores, se pregunta por la naturaleza de la música. De forma retórica, se cuestiona si deberíamos considerar a la música como un juego, una ciencia o un simple pasatiempo. Puestas las principales preguntas sobre la mesa, Aristóteles, como es su costumbre, pasa a argumentar sobre posibles respuestas, sin llegar a ellas de forma rápida y concisa.
En su recorrido reflexivo sobre los elementos que atañen a la música y el verdadero significado de esta, comienza el de Estagira relacionando la música con el placer y el entretenimiento, pues es bien visible que aquel que pasa penalidades encuentra en el canto y la música sensaciones agradables que calman su angustia. Sin embargo, Aristóteles se pregunta (y de nuevo nos pregunta) si el hecho de que la música sea un mero entretenimiento no la convierte en algo secundario en nuestras vidas, opción que se niega a asumir.
Para el griego la música tiene efectos reales en nuestro estado anímico, alcanzando incluso a nuestra misma moral. Como Aristóteles observa, la virtud se fundamenta en la recta razón que observa y pone el acento en nuestras emociones más nobles y sanas, y estas emociones, como dijimos antes, pueden estar motivadas por el embrujo y el entusiasmo que la música y el canto producen en nosotros. Por lo tanto, la recta razón debe, de alguna manera, agradecer a la música el apoyo prestado para conseguir que nuestro estado anímico, entusiasmado, se centre en las sensaciones agradables y en las cosas buenas.
Por último en relación a Aristóteles, y esta es la reflexión fundamental de su ensayo, concluye que la música debe ser incluida en la educación de los jóvenes, reconociendo su importancia en la formación cultural del ser humano:
Es por lo tanto imposible, vistos todos estos hechos, no reconocer el poder moral de la música; y puesto que este poder es muy verdadero, es absolutamente necesario hacer que la música forme parte de la educación de los jóvenes. (1)
Estas reflexiones pueden parecernos obvias al día de hoy, pero tuvieron su importancia y novedad en el siglo IV, a.C. cuando Aristóteles las planteo.
Música durante el Helenismo
Como hemos explicado más arriba, la búsqueda de la armonía y la serenidad del alma eran dos de los principales objetivos de los filósofos clásicos, además de la consecución de una sociedad donde el bien común prevaleciera sobre el individual. Sin embargo, con la llegada del helenismo (a través del imperio de Alejandro y sus sucesores), el orden social cambió radicalmente. La polis, salvaguarda para los ciudadanos e ideal de comunidad para filósofos y políticos perdió importancia ante la llegada del imperio alejandrino y su división en provincias o satrapias con una organización social diferente. Los filósofos, por lo tanto, debieron buscar otro refugio, objeto de estudio y aplicación de sus tesis filosóficas y políticas.
Pensadores como Epicuro (341 a.C. – 270 a.C) dieron los primeros pasos para adaptarse a la nueva realidad, orientando sus reflexiones a la búsqueda de la felicidad individual, apartándose de la realidad (Jardín de Epicuro) y de la forma de vida en comunidad que supuso la polis. La felicidad ya no era asunto de la polis sino del individuo (ataraxia, búsqueda de la imperturbabilidad del alma) y la filosofía orientó sus esfuerzos en desvelar la forma de conseguir esa felicidad explorando las emociones humanas. En cuanto al epicureísmo y su relación con la música, ésta tenía importancia si ayudaba a aliviar el dolor espiritual y corporal.
Otra corriente filosófica hedonista es el estoicismo, fundada alrededor del año 300 a.C. por el chipriota Zenón de Citio (336 a.C. – 264 a.C.). A diferencia de los hedonistas o epicúreos, los estoicos basaban su filosofía en la ética, la lógica y la física o leyes naturales, fuente del saber y de la razón universal. Para Zenón y los suyos, las emociones y el placer derivaban de juicios erróneos e irracionales que había que dominar, incluidas las pasiones provocadas por la música. Es decir, para los estoicos el deleite de una pieza musical iba contra natura, contra la razón que debe alejarse de las emociones.
Tampoco los cínicos, y en especial Diógenes de Sínope (412 a.C. – 323 a.C.) valoraban la música en exceso. De hecho, estaban en contra de esa educación clásica (paideia) basada en el deporte, al astronomía y la música. Para Diógenes, la virtud o areté se conseguía a través de la reflexión ética y la práctica de la virtud moral, dejando a un lado los placeres mundanos como la música.
No obstante a lo dicho, la música siguió evolucionando durante la época helenista y la música, poesía y teatro griegos se difundieron por el imperio de Alejandro Magno. Sin embargo, en el caso de la música, la danza y la poesía su presencia en la formación perdió importancia. La exigencia a poetas y filósofos de aprender música (y enseñarla a la juventud) cayó en desuso. Además, en relación a los poetas, aparecieron los melógrafos quienes acompañaban musicalmente a los primeros, los cuales ya no consideraban imprescindible conocer el arte musical.
De alguna manera, la música dejó de ser un bien universal con una función bienhechora en el alma humana, para convertirse en una actividad interpretada por especialistas para el mero entretenimento en farsas y comedias. La figura del compositor y creador artístico perdió protagonismo en favor del intérprete musical especializado en un determinado instrumento que, no obstante, alcanzaba a ser reconocido internacionalmente.
Música en la Antigua Roma
Con la emergencia de Roma, la cultura clásica, aunque fundamental para helenos y romanos, fue mezclándose con las influencias de otros pueblos. En el lado helénico, los antiguos pueblos bajo el dominio persa -y ahora macedonio- configuraron un tratamiento distinto del arte musical, dándole un carácter más ocioso y dejando a un lado el aspecto pedagógico. Por el lado de la Roma imperial, ya conquistada media Europa y aún fundamentándose en la herencia griega clásica, no llegaron ni siquiera a imitar a los tratados musicales pitagóricos y aristotélicos, quedándose finalmente en una vacua aproximación del ímpetu griego original.
Hay que añadir que los romanos, además de su aporte etrusco y latino principalmente, también asumieron el folklore de los pueblos conquistados, lo que diversificó la concepción del arte musical. Si el imperio alejandrino modificó la herencia griega, los romanos, aún observándola con atención, la mezclaron mucho más con las influencias de los pueblos “bárbaros”.
A pesar de todo, los maestros griegos, bajo la hegemonía romana, tuvieron su importancia. Pero como ocurriera con la cultura helénica, los poetas e intelectuales griegos, por normal general, no estaban versados en música y toda su influencia en el arte musical que pudieran ejercer en la nueva sociedad romana se resumía al acompañamiento en celebraciones de carácter privado o popular. No obstante, este nuevo tratamiento de la música, del canto y la teatralidad tuvo gran éxito entre el “vulgo” debido a su aplicación en grandes y pomposas celebraciones orientadas a las masas.
No obstante, hay una corriente como el nuevo estoicismo, y más concretamente su iniciador Marco Tulio Cicerón (106 a.C. – 43 a.C.), donde el interés por la música -más allá de su aplicación al entretenimiento- cobra importancia. Concretamente al recuperar a Pitágoras y Platón, y la doctrina “Música de as esferas”. Esta teoría cosmológica trata de dar explicación al funcionamiento del universo y el movimiento de los astros estableciendo una analogía entre la música armónica que producen los planetas en su movimiento y el civismo que debe regir en la civitas vía imitación de esa armonía. De alguna manera, los filósofos estoicos (también Séneca y Marco Aurelio) recuperan la virtud ética pero enfocada a lo social no tanto a lo individual. Y lo hacen poniendo como arché de esa armonía social la “música de las esferas”.
En el plano tecnológico, en la Roma imperial se difundieron nuevos instrumentos como el órgano o Hydraulis, importado de Alejandría en el tercer siglo antes de Jesucristo. Además, se perfeccionaron otros instrumentos musicales como el arpa, la flauta y otros elementos de percusión y se aumentó el número de miembros de una orquesta. También hay que decir que el desarrollo y la interpretación musical queda en manos de los esclavos que alcanzan altos grados de interpretación.
Ya en el bajo imperio romano, existieron filósofos y moralistas que teorizaron sobre la música. Algunos de ellos fueron Ptolomeo o el propio San Agustin. Este último, con su De música y en su evolución de la filosofía a la teología, recuperó a los clásicos en una segunda sofística o neo-platonismo. Estos últimos filósofos de la Edad Antigua, ejercieron una importante influencia de los primeros medievales en el mundo occidental, como Boecio y sus cinco libros De música.
La evolución de la música en la Edad Antigua y en otras latitudes
Antes de entrar en el periodo medieval, debemos abordar la evolución de la música en el mundo antiguo en otras latitudes distintas a la Helade. Como sabemos, las civilizaciones orientales son casi tan antiguas como las de oriente medio y occidentales y, en el transcurso de su evolución histórica, también el arte ha tenido gran importancia. De hecho, las distintas doctrinas éticopolíticas, sabidurías y religiones orientales ya mencionan la música en sus cosmologías o interpretaciones de la creación del universo. En éstas, los cantos y la música cumplen un factor muy importante.
La India
La gran civilización oriental es la hinduista (más antigua que la china) donde se encuentran las primeras composiciones musicales de Oriente. La liturgia védica cuenta con casi cinco milenios de antigüedad y fue iniciada por los pueblos arios que invadieron el país del Indo. Estas composiciones podrían igualarse en complejidad con las salmodias ambrosianas de siglo IV de nuestra era y acompañaban a los poemas védicos en los ritos de los sacrificios.
Un ejemplo de todo esto es el hecho de que la creación y organización del universo vienen acompañados de cánticos salidos de la boca de Brahma. También Shiva, el dios indígena, inicia los ritmos del universo mediante su tambor. Así, la música y el canto suponen el lenguaje primigenio en la creación del universo.
Durante el desarrollo de la civilización hinduísta se van desarrollando estilos y formas musicales como las Ragas. Estas piezas contenían la suficiente riqueza como para poder expresar los sentimientos y estados anímicos de las personas.
En cuanto a los instrumentos, en la India no tenían tanta importancia como en otras latitudes ya que se le daba más importancia a lo vocal, quedando los instrumentos en segundo plano. Ejemplo de ello es el Budismo, una escisión del hinduísmo donde los mantras cumplen un factor muy importante en las prácticas de meditación. Estas oraciones cantadas en el budismo y el hinduismo, como grupo de palabras en sanscrito sin un contenido semántico específico, buscan conseguir un logro, que puede ser una habilidad, desde un punto de vista práctico en la vida, o algo más trascendental.
Los Mantras, como los cantos gregorianos dentro del cristianismo, han servido para difundir aspectos como la doctrina moral tanto en el hinduismo como en el budismo. A continuación uno de los mantras budistas más poderosos:
China
De forma más particular, en la cultura china de Confucio, del Tao y la chamanista, la música ocupaba un lugar importante en las ceremonias y rituales religiosos que, a veces, se acompañaban de danzas y coros. Como ocurriera en la Grecia Clásica, de la mano de los filósofos y poetas, en China fueron otros grandes filósofos como Confucio y Lao Tse (contemporáneos de los filósofos griegos) los que abogaron por el uso de la música para mantener las buenas costumbres y las tradiciones antiguas.
Es curioso como en los siglos VI y V a.C., desde un punto de vista filosófico y artístico, se produjeron unas reflexiones similares en sociedades tan distintas y distantes. Un elemento común presente en filósofos griegos y orientales es la moderación como opción vital y que sirve para acercarse a un comportamiento basado en la virtud.
Hay tres placeres beneficiosos y otros tres que resultan perjudiciales: producen beneficios el placer de la música y el de las ceremonias comedidas, el que causa hablar acerca de las excelencias de otros hombres y el de tener muchos amigos de mérito. (4)
Las palabras del legislador y educador chino Confucio nos recuerdan a la filosofía griega: la música como beneficio para el alma, la valoración de la amistad y de la excelencia de la virtud y el justo medio, que Aristóteles y el propio Confucio observaban de la misma manera a pesar de la distancia geográfica y temporal.
También como ocurriera en Occidente, tras el periodo de los grandes sabios (siglos VI y V a.C), la sociedad oriental entró en decadencia, periodo al que le sobrevivo la época de la emergencia de imperios, como también sucedió en Oriente Medio y Europa.
Uno de esos imperios fue el de Alejandro Magno, que consiguió comunicar de forma real el mundo conocido, desde Grecia a la India. Así, los intercambios culturales también afectaron a las concepciones artísticas de uno y otro lado. Muchos especialistas opinan que la música china se inspira en la influencia helénica llegada de Occidente en tiempos de la dinastía Han (206 a.C. a 220 d.C.).
Egipto
Otra gran civilización (de las más antiguas) es la de Egipto, fuente de conocimiento cultural, tecnológico y científico para los griegos y otras culturas, y que también aportó al desarrollo de la música.
Lo egipcios, a partir del Segundo Imperio, utilizaron arpas, flautas y chirimía o flautas dobles como instrumentos principales para sus ceremonias. Tras la conquista de Asiria por parte de los faraones de las dinastías XII y XIX, se importaron otros instrumentos como laúdes, oboes y tambores que se utilizaron principalmente en las ceremonias sacras en honor a los muertos y a los dioses.
El tratamiento que los egipcios dieron a la música fue de tipo religioso aunque no desdeñaron en teorizar sobre la música y sus aplicaciones. De hecho, de los 42 libros de la sabiduría egipcia, dos de ellos tratan de la música y su importancia dentro del mundo religioso, moral y educativo. El sacerdocio egipcio cuidó de la pureza de la música a través del estudio de la misma en correlación con la elaboración de una teoría músico-mitológica de los números. Como nos relata el padre de la historia occidental, Herodoto: “los egipcios fueron los primeros en introducir la costumbre de celebrar solemnes asambleas, procesiones y letanías a los dioses, todo lo cual, los griegos lo imitaron de ellos” , lo que nos lleva a recordar la influencia de la cultura egipcia en el desarrollo de la griega.
Pero los egipcios, además de ejercer una importante influencia sobre los pueblos de su alrededor también asumieron otros paradigmas foráneos, como el de el pueblo hebreo que compartió su historia durante un tiempo.
La música en Israel
El pueblo de Israel es uno de los pueblos más antiguos (historia viva) y fundamenta su tradición en la comunidad, la creencia religiosa, y desgraciadamente, en todos los avatares que ha sufrido durante su historia.
En el mundo hebreo, tan antiguo y sabio, también hay espacio para la música. La primera referencia al aspecto musical de la cultura israelita es la de Jubal, al que se le considera el padre de la música judía: 4,21 “Y el nombre de su hermano fue Jubal, el cual fue padre de todos lo que tocan el arpa y la flauta”.
Por otro lado, la transmisión de la teología y doctrina judía tuvo en los cantos una gran herramienta. Con instrumentos como el kinor o lira, el nevel o arpa y el asor o cítara, ya en el primer milenio a.C. se compusieron melodías de carácter teatracordal (basadas en escalas de cuatro notas) para acompañar a los textos litúrgicos. Las Lamentaciones de Jeremías, el Cantar de los Cantares y el Salterio de David provienen de la época davídica-salomónica y dieron comienzo a una liturgia más rica y una gran ayuda de tipo pedagógico para la transmisión de la doctrina a los fieles.
Como es sabido, la diáspora constante en la que ha vivido el pueblo judío ha transformado también su música lo que lleva a pensar que los cantos de hoy son bastante diferentes de los cantos antiguos e iniciales del milenio I a.C.
La música en la Edad Media (desde Boecio hasta Renacimiento)
Si durante la época helenística y romana, la música paso a ser mayormente utilizada para el disfrute de la población y sin muchas pretensiones educativas, con la llegada de la Edad Media y la supremacía del cristianismo como religión oficial de gran parte de Europa, la música volvió a lo sacro y se convirtió, como ocurriera también con las disciplinas filosóficas, en herramientas apologéticas para la difusión y justificación del ideario y fe cristianas.
El patricio Boecio (480, Roma-524/5 en Pavía), es conocido como el último romano o el primer escolástico medieval. Vivió un cambio de Edad y el definitivo derrumbe del imperio romano occidental a manos de los llamados “bárbaros”. Tuvo una gran formación filosófica y se convirtió en una persona con gran poder e influencia en su época.
De todos sus escritos relacionados con la artes tenemos que destacar De institutione música, tratado compuesto de cinco libros donde Boecio analiza las teorías sobre música de los clásicos griegos y que se convierte en un texto que ha de ejercer una gran influencia en toda la Edad Media. En este análisis, el filósofo romano divide la música en tres géneros:
- La música mundana, que asocia con lo que Pitágoras llamaba la Armonía de las esferas, y que somos incapaces de oír debido a nuestra imperfección.
- La música humana, que alude a la idea griega de la unión armoniosa entre cuerpo y alma.
- Por último, la música instrumental, que es producida a través de instrumentos. En el último género, Boecio valora más al compositor que al propio instrumentista.
Además, recuperan en su escrito numerosos ejemplos y comentarios clásicos y de presocráticos como Pitágoras sobre cómo la música afecta de forma positiva y negativa en el alma. Llega a acordar con el filósofo de Samos en que la música tiene propiedades curativas incluso en dolencias físicas.
De Boecio en adelante, la música fue tratada por los principales filósofos y teólogos con carácter apologético, cumpliendo una función educativa en la formación religiosa de la población y de los propios religiosos. El cristianismo, como antes hizo el judaísmo o el budismo en oriente, creó su propia liturgia musical, destacando el canto gregoriano, una evolución del canto romano y que se empezó a utilizar en la Alta Edad Media, en tiempos del papa Gregorio Magno. Con el pasar de los siglos los doctores de la iglesia Juan Escoto Erígena, Pedro Abelardo, San Anselmo, Alberto Magno y su discípulo Santo Tomás de Aquino, entre otros, revisaron los escritos de Aristóteles y filósofos posteriores cristianos como San Agustín para colocar, definitivamente, a la música como aliada de la fe.
La música en el Renacimiento, Barroco y clasicismo: del siglo XV y XVIII
Durante toda la Edad Media europea, la mayoría de las representaciones musicales tenían un carácter sacro, cumpliendo su función en los diversos ritos religiosos. Aun así, existían los trovadores y recitadores de poemas, cantares y elegías que no incluían en sus letras temas religiosos. Pero sin duda, fue a partir del Renacimiento, como en otros terrenos culturales, cuando la evolución de la música, sobre todo desde el aspecto técnico, cobró gran importancia.
Además de los cambios técnicos, se produjo también un avance en el terreno de la armonía, composición musical y el aumento de la complejidad de los géneros heredados de la Edad Media. Los géneros litúrgicos como el Aleluya, Ave verum copus o agios, clásicos en la Edad Media, se conservaron en el Renacimiento con algunas revisiones. El cambio principal, sobre todo por la aparición del madrigal, provocó que algunos compositores pasaran de la composición sacra a una secular.
Otro aspecto importante a tener en cuenta durante el Renacimiento es una difusión de las composiciones musicales a través de partituras. Aunque no se conservan muchas partituras de la Edad Media, sí del Renacimiento debido al aumento notable de las mismas, sobre todo a partir de la aparición de la imprenta.
Ya en el Renacimiento Pleno (1467-1534), la música sagrada polifónica se vuelve más compleja aunque durante el siglo posterior vuelva a simplificarse. Finalmente, en la época barroca, a partir del 1600, el interés por la música instrumental provoca un gran avance dentro de la composición musical, al tiempo que evoluciona el uso y la complejidad de los instrumentos musicales. Es también en el barroco cuando aparecen las primeras grandes figuras de la música como Pachelbel (1653 – 1706), Vivaldi (1678 – 1741) y, por supuesto, el gran Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), con el que finaliza el periodo barroco para dar paso al clásico.
El patrocinio de los músicos por parte de la iglesia daba a las composiciones musicales un carácter sacro. Sin embargo, como ocurrió en otros campos del saber y del arte, comenzaron a aparecer otros grandes patrocinadores (como jefes de estado) interesados en patrocinar el arte, esta vez, sin la pretensión de hacer apología religiosa. Durante el Renacimiento, tal vez la familia Medici fue la que más influyó en la creatividad artística, intelectual y política a través del mecenazgo de artistas y pensadores. Este patrocinio, que continuó en siglos posteriores, colocó la música laica, con el tiempo, a la altura de la música sacra. Además, los acontecimientos sociales que se produjeron durante los siglos XV, XVI y XVII (como la aparición de las herejías protestantes y la recuperación de los clásicos griegos por parte de los humanistas) tuvieron su influencia en la composición musical y el canto.
También durante el Barroco y gracias a la financiación pública y privada, aparecen las grandes óperas, las cuales tendrán una repercusión aún mayor durante el siglo XVIII. Uno de los grandes promotores es Wolfgang Amadeus Mozart que, con obras como La Flauta Mágica, inicia lo que podíamos llamar la “industria de la música” y aparecen las grandes estrellas Farinelli. En cuanto a los géneros musicales, la música clásica en general es variada y flexible componiendo en base a temáticas profanas y religiosas.
Aunque el nacionalismo como ideología no se configura hasta el siglo XIX, en la época clásica (siglo XVIII) la composición musical se utiliza para crear los himnos nacionales que buscan simbolizar el amor a la patria, a unos valores concretos y a una historia. En Europa, excepto el himno holandés compuesto en el siglo XVI, los demás se componen en el XVIII:
Reino Unido: God Save the Queen. 1745.- España: Marcha Real. 1770.
- Dinamarca: Kong Kristian. 1778.
- Estados Unidos: The Star-Spangled Banner. 1780.
- Francia: La Marsellesa. 1792.
- Alemania: Deutschlandlied. 1797.
- Polonia: Mazurek Dąbrowskiego. 1797.
Con la muerte de Beethoven, finaliza el periodo clásico, un lapso donde la música alcanza las mayores cotas de calidad de la historia. La Ilustración y, de nuevo, la revisión de la filosofía clásica, ejercen una gran influencia en la música. Desde el Renacimiento en adelante, la música se deja influenciar por los acontecimientos sociales y corrientes de pensamiento para luego hacer apología de los mismos al mostrar sus composiciones al público.
La música durante el Romanticismo (Siglo XIX)
Beethoven fue el impulsor del Romanticismo, tendencia que ocupo gran parte del siglo XIX. Desde Schubert hasta Schopenhauer pasando por Wagner. Destacar a nivel musical que en el romanticismo, la armonía y melodía se vuelven más complejas y expresivas para poder describir las emociones y sentimientos de esa realidad.
En cuanto al periodo en el que la música romántica tiene vigencia, a diferencia del romanticismo literario (1780-1840), en música se alarga a la segunda década del siglo XX, especialmente en la ópera, género donde se consiguen una alto nivel.
¿Cómo influye la música romántica en la sociedad? Wagner, tal vez el mejor romántico, utilizó la música para enaltecer un nuevo cristianismo pero sobre todo la identidad alemana dentro del movimiento ideologizante de nacionalistas alemanes como el Conde de Gobineau, que fue aún más lejos proclamando la superioridad de la raza aria alemana sobre las demás.
Estas erróneas concepciones antropológicas fueron las que basaron el ascenso del nazismo. En este sentido, a Wagner se le ha asociado con estas ideas radicales aunque también tenía como amigos a ciudadanos judíos, a Bakunin o a Proudhon (5).
En cualquier caso, la música de Wagner, sí que se utilizó por parte de la ideología nazi para sus fines, aunque nunca podremos saber si a Wagner le hubiera parecido correcto o hubiera estado de a continuación con el régimen nazi.
Por supuesto, el romanticismo musical en enfocó en otros campos más allá de lo ideológico. Uno de esos campos fue la canción popular basada en el canto y el piano. Esas composiciones estaban basadas también en poemas populares y utilizaban, entre otros instrumentos, la flauta.
El Romanticismo del siglo XIX rompió como una fuerte ola sobre la música clásica destacando el conflicto emocional humano, algo parecido a la filosofía postaristótelica a la que no referimos al principio de este escrito.
La música en el Siglo XX
La música clásica, como comúnmente se conoce a las corrientes barroca, clásica y romántica, continúa desarrollándose en el siglo XX con compositores como Ravel, Stravinski, Strauss, Puccini, Bizet, Albéniz o Manuel de Falla y en estilos romántico tardío e impresionismo.
Sin embargo, el siglo XX, desde el punto de vista musical, pasa a la historia por la aparición de numerosos géneros musicales además del clásico o culto-académico, sin que esto nos lleve a pensar que la música clásica sea una especie de clerecia que pase a convivir con una juglaría de subgéneros. De hecho, tanto el blues como el jazz se consideran géneros musicales de tanta calidad como la propia música clásica.
De forma más concreta los géneros musicales más importantes que aparecen en el siglo XX son:
- El jazz surge a partir del folk blues.
- El blues, género vocal e instrumental surgido en la comunidad afroamericana de EE.UU.
- El gospel, música vocal de carácter sacro originado en EE.UU donde el coro cumple un papel importante.
- El funk, con fuertes influencias del jazz.
- El rock, que asume las influencias del blues y el jazz y que a partir de 1950 se convierte en un género de masas.
- Los ritmos latinos.
- El flamenco, originario en Andalucía, España.
- El tango, un género asociado a la danza proveniente del Río de la Plata.
- Otros estilos musicales que pudieran ser un subgénero, como el swing y el pop.
Pero lo más importante del siglo XX y de la música es la influencia que ésta ha ejercido en la sociedad a través de su difusión masiva en la radio, televisión y los soportes electrónicos. Nunca antes esa influencia ha sido tan grande y ha provocado cambios en las formas de vida de millones de personas como es el caso del rock. Esa influencia también ha sido aprovechada por artistas para cambiar concepciones ético-morales en las personas, como ocurrió con músicos como John Lenon y su canción Imagine; My ame is Luka, de Suzzane Vega, que mentalizó a muchos sobre la violencia de género en los años 80; Biko, de Peter Gabriel, canción con la que se denunció el apartheid en Sudáfrica, o Streets of Philadelphia, de Bruce Springstein, que logró sensibilizar a la sociedad occidental a la hora de mirar a las personas enfermas de SIDA. Los ejemplos son innumerables.
En otro estilo de música como es el rap, dentro de la cultura hip-hop y desde el gran Tupac Shakur, se han dado un sin fin de solistas y grupos que con la mezcla rítmica de rimas, juegos de palabras y poesía y fundamentándose sobre todo en la experiencia vital, ponen el acento en dar a conocer y denunciar la injusticia social. De hecho, el rap, al haberse acuñado en los suburbios, llena todas sus letras con la protesta social y la denuncia. El lenguaje utilizado no es políticamente correcto, incluye palabras mal sonantes y ataca directamente al sistema. En muchas composiciones se encuentran reclamaciones a los derechos de las clases más desfavorecidas.
También, la música ha hecho su aporte para la llegada de la democracia a países como España, Argentina o Chile tras sendas dictaduras. En ese sentido, los músicos del siglo XX, como hicieran los griegos dos milenios y medio atrás, han sido conscientes del poder de influencia de la música en la sociedad.
Para terminar, recordar también cómo la música -además del cine y otras disciplinas- ha creado el fenómeno de la mitomanía. Cantantes como Elvis Prestley, Michael Jackson, Madonna, Beatles y otros han logrado miles de millones de seguidores a lo largo de sus carreras y se han convertido, para algunos, en casi “semidioses” o personas capaces de dar sentido a la vida de sus seguidores.
Hasta esos niveles puede influenciar la música en la sociedad.
Notas
(1) Aristóteles, Libro QUINTO, Capítulos IV, V, VI y VII, Política, Madrid, Espasa Calpe, Madrid, 2007, pag, 187.
(2) Moisés González, Introducción al pensamiento filosófico , Editorial Tecnos, Madrid, 2002, pp. 69
(3) Aristóteles, Ética a Nicomaco, Espasa Calpe, Madrid, 1962, pp. 163.
(4) Libro XVI Ji Shi, Analectas. CONFUCIO, Los Cuatro Libros, 2002, RBA, Coleccionables, S.A. Selección de textos. Joaquín Pérez Arroyo.
(5) https://mondiplo.com/wagner-hitler-y-el-nazismo
Más información
Internet
- http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_musica
- http://historiasconhistoria.blogia.com/2007/083101-musica-romana.php
- http://www.filosofia.org/cla/ari/azc03171.htm
Bibliografía
- Marvin Harris, Introducción a la antropología general , Alianza Universal Textos, Madrid, 1981.
- Moisés González, Introducción al pensamiento filosófico , Editorial Tecnos, Madrid, 2002.
- Aristóteles, Libro QUINTO, Capítulos IV, V, VI y VII, Política, Madrid, Espasa Calpe, Madrid, 2007.
- Confucio, Libro XVI Ji Shi, Analectas, Los Cuatro Libros, RBA Coleccionables, S.A. Madrid, 2002.
